Frank-Olivier

Le 28 juin 2008 à 9h am, Block’Out surgît dans le paysage urbain de la zone Valad à Osny. Le travail pictural in-situ proposé pour la salle de musculation vient commémorer cette naissance dans un rapport astral : ces figures géométriques bleues représentent les constellations visibles de ce lieu à ce jour et cette heure précise.
Cette démarche met en évidence les liens entre espace et temps. D’un instant on déduit une position (dans l’espace) et vice versa (de la position des étoiles (et de tout astre) on peut se situer dans le temps). C’est finalement toujours une histoire de position (dans le temps ou dans l’espace).
Ici les lignes sont bien plus larges que dans les représentations courantes des constellations, elles ont plutôt la largeur du «gros scotch» d’emballage. Ainsi le traitement de ces figures joue sur un décalage entre la majesté céleste et la banalité de la bande collante.
D’autre part, leur aspect flottant et leur forme -très stylisée d’animaux- peut rappeler autant les peintures rupestres que les chaînes de protéines qu’on devine sous nos paupières quand on ferme les yeux.
La salle de musculation devient alors une sorte de grotte moderne dans laquelle s’articule considérations cosmiques et artistiques sur un mode épuré et minimal.

Oeuvre in-situ réalisée par Frank-Olivier et produite par Block’Out en avril 2013.
Acrylique sur placo-plâtre.

Tapu logos est une réflexion sur la Polynésie contemporaine qui a la complexité des sociétés partagées entre une tradition ancestrale et une modernité galopante, prise entre des souvenirs coloniaux douloureux et une puissante influence Etats-Unienne et Chinoise. Elle s’inspire d’un crâne enveloppé de tapa (étoffe végétale obtenue à partir d’écorce) découvert aux Marquises vers 1845.
Par une référence à une tradition sépulcrale marquisienne, j’explore l’art du motif polynésien en y intégrant des motifs contemporains. La réflexion sur le plein et le vide en mode «spiralé» propre à cet art traditionnel océanien est mise en perspective avec le graphisme moderne pour dégager un questionnement sur les limites entre sacré et profane ainsi que leur origine,
L’ensemble est dynamisé et mis en tension par un réseau d’ellipses tourbillonnantes qui métaphorise l’espace/temps et l’énergie : celle du «conatus» comme de la physique nucléaire, dont la Polynésie a été le théâtre pendant les années 60 et 90.

Par sa résonance avec l’escalade, le terme préhension a été retenu pour l’inauguration d’une deuxième salle d’escalade Block’Out 2 à Paris.
Ce que nous dit Wikipedia et le dictionnaire indo-européen de Pokorny sur la préhension : «La préhension (du latin prehensio : « prendre, saisir, s’emparer de », composé du préfixe prae-  (avant, devant) et d’une racine *ghend (« saisir ») issue de l’indo-européen commun (Pokorny). Il a éliminé le classique capere en bas latin, tout en donnant le mot, «depraedor» qui en anglais signifie «to hunt» chasser). La préhension est d’abord la faculté ou l’action de saisir des objets, des proies (on revient à la chasse) ou autre avec la main.
Le terme désigne également la capacité d’un organe quelconque à saisir des objets ou autre. On dit que la main est « préhensile. » L’acquisition de la préhension volontaire marque une étape importante pour l’enfant, celle de l’exploration de son environnement (Exner, 2001). La préhension regroupe plusieurs mouvements indépendants des segments des doigts et de la main permettant de tenir, maintenir, libérer, prendre des objets dans la main ou les manipuler et les déplacer dans toutes les directions (Sande de Souza & Coury, 2012).»
Du fait de son rapport à la main, la préhension est liée au toucher. Et puis il n’y a pas loin pour y voir tous les autres mots composés de «prendre» : comprendre, apprendre, méprendre, entreprendre etc .
J’ai retenu de cette recherche : saisir, main, exploration.
L’oeuvre pour cette inauguration est une série de dessins à l’encre de Chine, sur différents formats. J’ai commencé par représenter des mains dans différentes attitudes, mais en escalade on ne délaisse pas les pieds non-plus. Pour dialoguer avec ces dessins j’ai installé des boules de papiers. Elles sont réalisées grâce aux qualités préhensiles de mes mains et dessinent par leurs plis un réseau graphique que je veux rapprocher de ceux de la peau, des mains ou des pieds. Leurs couleurs sont vives, pour une vibration plus intense qui se conjugue à leur position en décalé du dessin. Ce système crée un autre plan et confére à l’ensemble comme une «troisième» dimension. Ainsi, suivant la position et le déplacement du visiteur, les boules de papier interagissent différemment avec les dessins : une dynamique, un jeu visuel s’installe (à ce titre souvenons-nous des principes de l’anamorphose, explorés pour Block’Out 1).

La société «Block’ Out», salle d’escalade située à Osny en Île de France, m’a demandé de réaliser un travail artistique in-situ. Il s’agissait d’intervenir sur les murs blancs au-dessus des blocs d’escalade. Ils représentaient environ 300m2.
J’ai proposé un travail basé sur l’anamorphose et la sphère, en référence à celle qui illumine la salle.
De par son aspect «sensationnel» l’anamorphose est un moyen efficace de mettre en valeur un lieu. La complexité de son élaboration ne ternit pas son côté ludique : on se surprend toujours à jouer de ses déplacements pour trouver le bon angle ou pour observer instantanément les déformations. L’anamorphose est aussi comparable à un «puzzle», un puzzle spatial dont les pièces s’assemblent au gré de nos déplacements. D’autre part, la déformation elle-même, générée par la construction de l’anamorphose, mérite qu’on s’y arrête. Le double langage de cette technique résonne avec l’ensemble de mon travail plastique dans le sens où je cherche à articuler des contradictions, des points de vues divergents par une intégration à l’espace.
Ce travail demeure particulier puisque ses enjeux étaient autant liés à mes interrogations sur le dessin in-situ qu’aux besoins économiques d’une entreprise. Cette expérience m’a permis de mobiliser mes compétences artistiques dans un autre domaine que celui de l’art. J’ai répondu à une commande tout en conservant ma liberté dans le choix de la création.

Avant de voir l’oeuvre, on entend un son de frottements, de battements, répétitifs et étranges car on n’en devine pas tout de suite la source. Puis on se trouve face à une installation à l’aspect léger, fragile et en équilibre -presque instable- mettant en scène deux dessins noir et blanc représentant un paysage osseux qui pourrait être un charnier ou une découverte archéologique; cette oscillation thématique se retrouve, plus concrètement, dans le mouvement générale de l’oeuvre mais aussi de la tige, volontairement longue pour évoquer le métronome, attachée à l’un des dessins. Elle semble battre le rythme lancinant de la vie dont on essaye de capter le son improbable : fffrrrrsccchhhhttt, frrrschht, trschht... comme si on cherchait une bonne fréquence radio, comme si la platine lisait la musique invraisemblable des dessins, le son mystérieux du cycle du vivant.Métaphysique du bricolage qui emploie des matériaux et des dispositifs simples, nus (rien n’est camouflé, tout est brut), voir pauvres, comme s’ils étaient plus aptes à parler de l’infini et du tout.

Oeuvre réalisée en collaboration avec le musicien Hoarang.

A l'occasion d'une exposition collective à la galerie des 7 parnassiens, j'ai revisité le dernier tableau que Gauguin a réalisé à Hiva Oa D’où venons-nous, Que sommes-nous? Où allons-nous?. C’est ici le paradis du jouet, mais derrière ces personnages de jeux ou de dessin-animés se devinent des silhouettes noires, des ombres desquelles scintillent des yeux suggérant un climat d’inquiétude ou menaçant. Cette étrangeté fait autant référence à l’ambiance mystérieuse des Marquises qu’aux essais nucléaires exécutés en Polynésie signalés par un détail dans le tableau (je relève comme un paradoxe, une ironie, le fait d’expérimenter la pire arme de destruction sur une terre considérée comme un paradis terrestre. Ces essais n’ont pas eu lieu aux Marquises, même si l’île d’Eiao au Nord était sur la liste des sites potentiels). Le dispositif de dessin en décalé du fond matérialise les décalages liés à la distance géographique et culturelle qui nous sépare de la Polynésie et les distorsions sociales de ce pays.

Le jouet aujourd’hui me rappelle autant l’enfance que la société de consommation avec ses produits toxiques de synthèse et ses industries. C’est autant de souvenirs d’insouciance que d’actualité grave.
C’est lorsque j’ai vu «Le radeau de la méduse» dans un amas de jouets qu’est venue l’idée du détournement d’oeuvres «classiques». «Jouets Class», «class» comme «classique» et aussi comme la «classe» où on dispense un cour, une leçon. Ce travail m’a permis de redécouvrir des chefs-d’oeuvres, de les étudier et d’explorer l’encre et l’aquarelle ainsi que leurs liens plastiques avec le stylo bille.
En revisitant ces tableaux, j’approfondis mes techniques et reconnecte ces images anciennes à notre monde contemporain.

«Dessine moi un freak» est une exposition collective aux «Ateliers du Tayrac» avec les artistes Bill van Cutten et Victor Druillet, sur le thème du monstre, du difforme, de l’anormal, du bizarre... du «freak». Le «Petit prince» au musée des horreurs.
J’ai pris le zombie comme figure de la monstruosité. «Un monstre est un individu ou une créature dont l’apparence, voire le comportement, surprend par son écart avec les normes d’une société» Wikipedia.
Absurde, vorace et inconscient le mort-vivant est aussi la caricature macabre de l’homme moderne. M’inspirant largement de mes court-métrages fantastiques, j’ai utilisé le pastel sec pour répondre à la recherche d’un compromis entre le dessin et la peinture.
Aussi je considère le découpage comme une forme de dessin (en tant que ligne structurant un espace) et comme une idée de ce que peut être l’art : tranchant, net, double, franc, juste, simple, subtil, brut, déterminant.

Je cherche toujours à exprimer plastiquement les ambivalences, les paradoxes, les extrêmes opposés car ils symbolisent pour moi les aspects contradictoires de la vie en général. Les Marquises sont issues d’anciens énormes volcans surgis de l’océan, des terres isolées encore pleines de secrets et d’interrogations que guettent cependant les dangers de la société de consommation. Le Banian m’a immédiatement fasciné : cathédrale végétale et tentaculaire, sa forme même suscite le mystère ; on ne s’étonne pas qu’il soit sacré pour les Marquisiens. Il signifie « la Vie » ou encore « le Souffle de Vie » à savoir que toutes les étapes de la vie s’y déroulent : les femmes y accouchent, on y pratique les tatouages qui symbolisent les différents stades de l’évolution d’un être, adolescence, âge adulte, victoires après des batailles, cultes rituels, intronisations, sacrifices pour motifs divers ou mort naturelle. Après l’avoir étudié rigoureusement par le dessin, j’ai commencé à le manipuler sur de plus grands formats en y dissimulant une autre figure emblématique des Marquises : le tiki. Ce qui m’a amené à une recherche propre sur le tiki et les motifs marquisiens (tatouages, ornementations) en m’attachant aux pleins et aux vides par la technique du pochoir.